Ummagumma (1969)

Ummagumma no es precisamente un disco como para iniciarse en la música de Pink Floyd. Lo digo por experiencia propia; a mis 14 años me salté de estar escuchando The Wall directo al Ummagumma y mi desconcierto fue total. Tuvieron que pasar varios años para reencontrarme con él y poder digerirlo. Y es que es un disco bastante extraño, lleno de ideas locas, de las cuales no todas son asertivas, y a esto hay que agregar que es un disco doble.

Publicado en 1969, Ummagumma fue el cuarto disco realizado por la banda. La influencia sicodélica de la época todavía se encuentra presente en todo el álbum, razón por la cual no tiene nada que ver ni con un The Wall, ni un The Dark Side of The Moon, ni un Wish You Were Here.

Como señalé antes, el álbum es doble; el primer disco es un registro en vivo de temas ya conocidos por aquel tiempo, y el disco 2 contiene material original registrado en estudio.

Partamos por la parte que me gusta menos: El Disco 2. Aquí es donde hay algunos problemas, aunque en realidad, no son tantos. La idea aquí fue que cada integrante se encargara de una parte del disco (algo así como 13 minutos cada uno); salvo la de Roger Waters, que son dos temas distintos, la de los otros integrantes son temas compuestos por partes. Y es que aquí hay cosas locas como la disonante Sysyphus Part 3 de Richard Wright, la Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict de Roger Waters (el nombre lo dice todo a que suena) o toda la sección de Nick Mason. Pero en cambio, Grantchester Meadows, también de Roger Waters, es un relajante tema folk bastante particular.

La parte de David Guilmor es la más destacable, sobre todo la parte 2 de The Narrow Way, con un sonido algo pesado y su respectiva parte 3, un tema lento con el clásico sello Pink Floyd distinguible desde el comienzo.

El Disco 1 que como dije, es un registro en vivo, es a mi parecer, la parte que le da mayor peso a todo el álbum. La gracia que tiene es que aquí la interpretación de los 4 temas que contiene son versiones más extendidas de las originales e interpretadas de forma magistral. Destacan la versión de Astronomy Domine con ese solo de guitarra vertiginoso y la parte agregada que tiene toda esa cosa espacial, y Set The Controls For The Heart Of The Sun, tema que ya de por sí en su versión original es increíble con ese toque oscuro medio oriental, pero que aquí se le agrega todo un climax intermedio aun más pesadillesco.

El set lo completan las tambien excelentes A Saucerful of Secrets y Careful With That Axe, Eugene.

Y finalmente, destaco la caratula del disco, con el detalle del reflejo del espejo. Trabajo realizado por el célebre colectivo Hipgnosis, y que es una de mis favoritas de todos los tiempos

Bridge Over Troubled Water (1970)

Vamos a retroceder mucho en el tiempo. El 26 de enero de 1970 fue publicado Bridge Over Trouble Water, quinto y último álbum de estudio de Simon And Garfunkel. A la fecha, el duo ya contaba con tres discos importantes en su carrera (Sound of Silence; Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, y Bookends), pero éste fue el que definitivamente los consagró dentro de los grandes de la música.
De partida, podría escribir un post entero referente a la canción que da título al disco, todo un clásico del siglo XX. Majestuosa con sus arreglos orquestales y de piano, a medida va transcurriendo la canción, logran alcanzar la tensión necesaria para convertirla en toda una experiencia emocionante.
Pero a parte de este gran tema, el disco contiene otras joyas imperecederas: Está la versión del Cóndor Pasa, original del peruano Daniel Alomía Robles, y a la que Paul Simon le reescribió la letra. Las voces fueron grabadas sobre la base original ya grabada por el grupo Los Incas, también peruanos.
Le sigue la alegre Cecilia, con el juego de palmas y percusiones creada de una improvisación. Un carrusel sonoro y una letra escandalosa para la época.
Y del lado B del disco, se encuentra la también emocionante The Boxer, que al igual que Bridge Over Troubled Water, llega a un climax realzado por los arreglos de cuerdas.
El disco también guarda entre líneas, el mensaje de despedida de Paul hacia Art Garfunkel, este último ausente en gran parte del tiempo que se empleó para la grabación del álbum: So Long, Frank Lloyd Wright; The Boxer, The Only Living Boy In New York, Why Don't Write Me, todas escritas por Paul Simon dan cuenta del reproche por estas ausencias y que dan a entender que a esas alturas la amistad ya estaba acabada y que Paul tenía ya previsto seguir su carrera solista.
Ganador de cinco premios Grammy (dos para el álbum y tres para la canción) el disco ha vendido a la fecha al rededor de 20 millones de copias, dan cuenta de la importancia de esta obra.

Siamese Dream (1993)

Si hay un disco que me ha marcado en mi vida, que me indentifica totalmente, ese es éste. Llegó a mi en el 94', y desde entonces me ha acompañado y me ha servido de apoyo para mantenerme arriba. Expresó todo lo que podía sentir durante mi adolescencia; enojo y frustración, y por supuesto, el sentimiento de ser diferente, así como también amor y, sobre todo, esperanza.
Extrañamente, Siamese Draem fue producto del desastre total. Cuando los Smashing Pumpkins entraron en el estudio, estaban pasando por una crisis severa; el guitarrista James Iha y la bajista D’arcy habían terminado su relación de pareja recientemente, el baterista Jimmy Chamberlin estaba pasando por una fuerte adicción a la heroína, y Billy Corgan quien tubo que encargarse de tocar todos los instrumentos, excepto la batería, estaba sumido en una profunda depresión. Un panorama nada auspicioso, pero que dio como resultado un disco magnífico y perfecto de principio a fin (lo tengo presente dentro de los 10 mejores discos que he escuchado en mi vida).
La música que contiene mezcla a la perfección riff metaleros aceleradísimos con pop melodioso y sicodelia espacial. Precisamente esa contraposición de lo pesado y ruidoso con la fragilidad y suavidad de las melodías es lo que más llama la atención. Es el caso de Cherub Rock y Quiet, la primera con un sonido muy Black Sabbat, y la segunda un tema vastante acelerado, pero ambas con una melodía vocal mas lenta, y aún más suavizada con la interpretación de Billy Corgan.
Se me queda en el tintero Geek USA, la que sí se acerca mucho mas a algo más heavy.
Con más toque pop están la aparentemente alegre Today, la acústica y atemporal Disarm, adornada a la perfección con campanas y violines, y las dos baladas "corta venas", Soma, que trata de una ruptura amorosa (la parte explosiva del tema la vuelve aún más dramática), y Mayonaise, mas calmada pero igual de conmovedora (Well, no one knows Where our secrets go; esta es mi parte favorita de la letra).
Lo sicodelico está presente por los pequeños detalles que contiene y sobretodo por secciones muy a lo Pink Floyd, como es el caso de Hummer (la parte en que pregunta si el amor es real con la atmosfera volatil y espacial es simplemente hermosa) y la parte central de Silver Fuck.
Influenciado por el Loveless de My Blody Valentine, incluye también muchas pistas de guitarras y su buena dosis de saturación y de distorsión; Rocket suena espesa, casi plana en su superficie, pero por debajo está toda la melodía. Y si de ruido se habla, el final de Silver Fuck es lejos el final de una canción que más impactado me ha dejado.

Fever Ray (2009)

Si hubo un disco que me acompañó el año pasado y parte de éste, ese fue el de Fever Ray, disco debut en solitario de Karin Dreijer Andersson (la mitad de The Knife). Pop oscuro como la noche, cálido como estar al lado de una fogata.

Karin compuso el disco durante las noches en que sufrió de cuadros de insomnio a causa del nacimiento de su segundo hijo. Es por ello que el disco se presenta como una representación del estado de somnolencia, donde se mezcla la realidad con lo onírico, y en el que se plasma el miedo y las angustias al querer construir un hogar seguro para sus hijos. Cada tema es como un pequeño cuento de terror infantil. En lo personal, donde es tan onírico, me da la sensación que muchas de las canciones hablan de fantasmas: ¿Quien es el que está afuera junto a la ventana chupando bayas en Triangle Walks? o ¿Quien es el amigo con que una niña de siete años habla por teléfono en Seven? Y en Keeps The Streets Empty For Me, ¿Por qué dice que nunca desaparecerá y siempre estará allí?

Su sonido está muy unido con la naturaleza, sobretodo, con los sonidos nocturnos, de insectos, aves y otras criaturas del bosque y mucho sonido a madera. De ahí que se siente como un álbum cálido y orgánico.

Fever Ray nos muestra con este mundo que el pop no es solamente para bailar, sino que también puede ser oscuro, y que esta a su vez, puede ser acogedora.

Remain in Light (1980)

Remain in Light fue el último álbum de los Talking Heads producido por Brian Eno (son tres en total), quien para la fecha ya figuraba casi como un integrante más del grupo. Remain... fue todo un avance experimental para la banda y significó el punto más alto en su carrera, convirtiéndose en uno de los álbums más importantes de la decada del 80', y también de la historia. La experimentación viene en torno a la inclusión de una gran cantidad de ritmos africanos que se fusionan con los ritmos funk-punk de la banda, la forma en que fue grabado y los múltiples efectos electrónicos incorporados. A pesar de contener muchos poliritmos africanos, están tan bien mezclados con el resto del conjunto musical que no alcanza a converitse en un disco de world music por ello. Pero sí se puede decir que aquí está la semilla que daría origen a este movimiento. La incorporación de estos ritmos le dan el carácter de repetitivo, acentuado además por el hecho de que los temas están formados por un solo acorde sobre los cuales se monta el resto de la música. Esto fue logrado mediante la grabación de pistas instrumentales individuales, las que fueron utilizadas como loops y samples para su posterior montaje. Toda una revolución y un adelanto para la época, ya que para esos años aún no existían máquinas que permitieran realizar esto como hoy en día.

La primera cara del disco trae los temas más rítmicos, compuestas por varias capas de percusión

y bajo. Es el lado que invita al baile.
La segunda cara es donde se bajan las revoluciones; es donde se nota más la mano de Eno, ya que contiene los temas más ambientales (en la primera parte de disco igual hay algunos toquecitos atmosféricos, pero están más escondidos). Y a pesar que esta parte es más lenta, todavía se mantiene el estado de trance. Solo al final, con la oscura The Overload se produce el colapso.
El pasado 8 de octubre se cumplieron 30 años desde su lanzamiento, y que a pesar de todo este tiempo transcurrido, sigue sonando como si fuera un disco de hoy en día; un disco del futuro grabado hace ya harto tiempo.
NOTA APARTE: La carátula fue la primera en tener una foto manipulada digitalmente.

In Rainbows (2007)

Y pensar que en un principio In Rainbows se podía adquirir pagando lo que uno quisiera y bajándolo desde le sitio web de Radiohead. Yo lo hice en su momento y no pagué nada. Sin embargo, al tiempo terminé comprando su edición física en Cd, y no hace mucho, en vinilo también.
In Rainbows es un disco que requiere de su buen tiempo para digerirlo completamente, y no porque sea difícil de escucharlo, sino que porque en sus primeras escuchas no es mucho lo que aparenta suceder. Simplemente estás frente a un buen disco y nada más (yo en su momento lo situé como el 3° mejor disco del 2007). Pero nada más falso, cada vez que es escuchado, te das cuenta que hay algo especial, que cada canción es más que una canción bonita, y que en realidad es un excelente álbum, tan bueno que es de los mejores de Radiohead, solo superados por el Ok Computer y el Kid A.
Tal vez la primera impresión al escuchar el disco, es la de estar frente a una colección de canciones si mayor conexión entre sí. De echo hay de todo un poco, pasando de las frenética y rockera Bodysnatchers, con guitarras muy sucias; la sensual House of cards, con un estilo tan soul que es lejos lo más "diferente" que han echo hasta el momento, hasta la orquestada Faust ARP.
Pero al final es más que una colección de canciones; es más parecido a una paleta de colores, donde cada canción tiene su protagonismo. Destacables son también 15 Steps, tema que abre el disco de forma carnavalezca, llena de efectos de sonidos y que se vuelve un verdadero mejunje sonoro; Weird Fishes / Arpeggi, que tiene una tonalidad extraña y que avanza con un crescendo hasta llegar a un break para despues sumergirse en profundidades abisales, y Jigsaw Falling into Place, el otro tema rockero del álbum pero con un toque más experimental. Y por el lado de los temas mas bellos del disco, la paleta viene compuesta por Nude, una balada realmente luminosa gracias a su instrumentalización, la pesimista All I Need, otra balada, de amor pero más tortuoso, y el tema que cierra con broche de oro al disco, Videotape, a piano y con un ritmo sincopado que mas bien recuerda una marcha fúnebre, y cuya despedida es la frase "No matter what happens now, you shoukdn't be afraid, because i know, today has been the most perfect day I have ever seen".
Después de estos tres años transcurridos desde su publicación, In Rainbows se convirtió en el nuevo sonido de Radiohead, ni tan electrónico, ni tan guitarrero, sitúadose como el mejor disco del 2007 y en uno de los grandes de la década pasada.

Damnation (2003)

A pesar del título del disco, éste no es tan funesto como pareciera, así que no hay de qué alarmarse. De todas formas es oscuro y un tanto lúgubre, pero es del tipo reconfortante, de esos en los que encuentras protección, tal vez consuelo, y porque no, descanso.

Damnation es el séptimo álbum de Opeth, y es además el más distinto de toda la discografía. Si bien la música de Opeth gira principalmente en torno al death metal, acá el disco es completamente progresivo, siendo el más tranquilo de todos y el de más fácil acceso.
A que suena? pues predominan la guitarra acústica y mellotron, que le da un toquesito extraño, medio antiguo.

Lo increíble que tiene es lo bien unido que está la música con las letras, como es el caso de Death Whispered a Lullaby, donde se te muestra un mundo de luciernagas y un bosque en cuya profundidad se ocultan las almas perdidas, pero que con la musicalización, en parte acústica,resulta como una invitación en la cual no hay nada que temer.

Sorprendente es el tema final también, Weakness, una pieza sumamente simple, de una tranquilidad que asusta, y que en parte es a la vez lúgubre, acentuado por el sonido del mellotron, y cuyo final es por decir lo menos, trágico. Ahí para echar a volar la imaginación de que es lo que pasó.

Pero si de letras se trata, me quedo con la parte final de Closure, que creo es la que representa toda la esencia del disco: "In the rays of the sun, I am longing for the darkness".

Mechanical Animals (1998)

"Me veo más estupendo que las cinco Spice [Girls] juntas", decía Marilyn Manson en una entrevista en MTV al poco tiempo de haber sacado el Mechanical Animals allá por el 98, en referencia a su look. Sí hasta solo un año atrás se nos había presentado como la encarnación del anticristo (en el 97 salía hasta en la sopa), ahora daba un giro radical en su estética al presentarse como un ser andrógino. Y más aún; era fashion. Pero todo esto tenía una explicación que tiene mucho que ver también con la estética del disco y la nueva dirección musical de éste. El que es a mi juicio, el mejor disco de Marilyn Manson, tiene toda una onda glam setentera , muy influenciada por Bowie de esa época con su Ziggy Stardust. Atrás quedó todo ese sonido ultra violento e industrial que venía con el Anticrist Super Star (1996) para adoptar sonidos más propios de guitarras que suenan como tales; lo industrial es reemplazado por una electrónica mucho más melodiosa, y se incorporan coros femeninos... SÍ, hay coros que acentúan toda la estética glam.
El álbum es conceptual y gira en torno a la historia de Omega, un ser extraterrestre (representado por Marilyn Manson presisamente con ese look glamoroso), que viene a la tierra con la misión de salvar a la humanidad del vacío interior y la superficialidad con que vive producto de la industria del entretenimiento. Las celebridades tienen sedada a la humanidad, convirtiendo a las personas en animales mecánicos. Omega en su intento de entregar su mensaje fracasa finalmente, al convertirse en rock star sucumbir a la vida llena de excesos y superficialidad de las celebridades. Este cambio de dirección del personaje se ve reflejado en dos tipos de canciones en el disco; las de tipo reflexivas y de corte más humano, correspondientes al Omega original (llamado Alfa) y las de corte glamoroso y superficial, que son las del Omega celebridad.
Como consejo, escúchenlo con audífonos. La producción del disco es buenísima, está lleno de detalles sonoros, muchos de los cuales son casi imperceptibles, hartos efectos de sonido, como por ejemplo la voz de Omega que suena rarísima, y varias capas de sonido.

Loveless (1991)

Si existe algún disco maldito en el mundo, ese es Loveless de My Blody Velentine. Simplemente eso fue lo que significó para la banda la creación de este maravilloso álbum, todo por la búsqueda del sonido perfecto, que terminó, por una parte, en una excesiva cuenta (200.000 libras) producto de la contratación de mas de 14 ingenieros y que ocasionó la quiebra de la disquera, y por otra, en un agotamiento de la banda por lo exhaustivo que resultaron las seciones de grabación, sumado a la sensación que les produjo de sentir que no podrían volver a crear nunca más algo como esto, probocó la separación de sus integrantes.
Una vez leí por ahí una descripción que la encontré de lo mas acertado en la definición del sonido de Loveless: es como un estornudo de Dios en cámara lenta. En el disco hay capas y capas de ruido melodioso (las guitarras fueron grabadas y luego procesadas innumerable cantidad de veces), lleno de atmósferas y detalles ocultos a los que hay que poner atención para poder oírlos ya que se encuentran muchas veces aplastados por la tormenta ruidosa que se presenta en primer plano. Lo mismo sucede con las melodías vocales. Éstas son melodías pop que suenan como en otro plano, ajeno a lo que sucede con el ruido de fondo y de "encima". Nada igual en aquella época (la distorsión del sonido fue realizado de forma casi artesanal).
La aparición del Nevermind de Nirvana eclipsó muchos discos increíbles en aquella época, y Loveless no fue la excepción. Fue finalmente sepultado con la llegada del grunge. Tuvo que pasar toda una década para que fuera redescubierto y para que ahora se le reconozca su verdadero valor. Referencia y fuente de inspiración para la música de hoy en día.

Moon Safari (1998)

Tal como lo indica su título, en 1998 Air nos invitó a realizar un paseo lunar con este albúm gracias a la atmósfera de ensueño y relajación que crea durante su escucha. Son estos dos elementos los que están presentes durante todo este viaje y que le dan ese toque tan elegante y chic al disco (...no nos olvidemos que son franceses). Ya van más de 10 años y no ha envejecido ni lo más mínimo. Perfectamente podría pasar por un disco de este año si uno no supiera. El secreto: para su realización, se utilizaron sintetizadores análogos de los años 70, que acompañado tambien del uso de vocoder en algunos temas, le dan la característica de sonar a electrónica vintage. Qué atractivos nos promete este safari? Bueno pues, partamos con la "jazzy" La Femme d'Argent, sútil, exquisita, como para caer rendido en algún sofá, la invitación para enbarcarnos. De ahí seguir con, por ejemplo, las relajantes All I Need y You Make It Easy; hacer por ahí una parada en la espacial Remember y la sensual Sexy Boy, entre otras cosas. Y ojo, que la instrumental Le Voyage de penelope, es una invitación para repetirse el plato.

The Future Embrace (2005)

Pasa que aveces hay algunos discos a los que hay que darles un tiempo para apresiarlos como corresponde. Algo así como que hay que dejarlos madurar con los años y verlos en retrospectiva. La crítica no fue muy benevolente con el disco solista de Billy Corgan cuando salió a la luz. Me incluyo también. En aquel momento pasó simplemente como un disco mas.. no fui tan lapidario en su momento y lo clasifiqué como un disco "ahí". La razón, y creo que la de todos los que lo escucharon, esperaba algo que fuera igual que los Smashing Pumpkins. A los Smashing del principio claro, porque si es de comparar, claro, se parece un poco al Adore. Por ahí iba la idea me imagino.
Así que todo mal con Billy Corgarn, que quedó "rayando la papa" con la electrónica.
¿Pero que ha pasado desde entonces a la fecha? Pues resultó no ser en realidad un disco mas del montòn. Tiene algo que me ha permitido escucharlo un par de veces cada año, durante todo este tiempo. Una suerte de lento redescubrimiento que finalmente me han hecho determinar que sí, es un muy buen disco. Es cierto que el disco pasa por algunas partes de insufible patetismo en las letras, algo que era sumamente bien venido en los Smashing, pero acá se convierten en un cliché. Por suerte no son tantos, y aun así, queda vastante material del bueno.
Y tambien es cierto que Billy no inventó precisamente algun estilo nuevo acá; mas bien suena a una mezcla de New Order y Depeche y... ¿NIN, puede ser?, mas algo por ahí de My Bloody Valentine y toda la onda Shoegazer. Pero igual tiene lo suyo. Ahí el trabajo de las guitarras es lo que encuentro notable, aunque claro, no hay ningún solo. Lo que para muchos fue desconcertante, ya que esperaban las mismas guitarras de los Smashing, creo, es lo que hace especial el disco. Lo más característico es lo étero, atmosferico y saturado que suenan, y que en algunos momentos, consiguen consiguen convertirse en hermosos arreglos. A esto, sumémosle también el buen oído pop para crear melodias del Sr. Corgan y nos encontraremos con un disco que es, claro, ni la decima parte de lo que son los tres primeros discos de los Smashing, pero que sí es muchisimo mejor que el Machina, y tal vez, mejor que Adore.

Blacklisted (2002)

Hay algo especial en los discos de Neko Case. Se crea un ambiente íntimo, privado. Por lo mismo Blacklisted es un disco para ser escuchado en solitario. Hay un aire nostálgico en cada composición, pero que en ningún momento cae en lo triste. Eso es lo que hace tan especial el tipo de country que hace Neko (según alguno, country alternativo y que según ella no es tal).

Blacklisted está de lleno de detalles a los que hay que poner atención para disfrutarlo plenamete, detalles que van desde el tono de voz de neko, hasta el mismo sonido de las guitarras tipo Twin Peaks, presentes en temas como Tightly, Pretty Girl y Ghost Wiring, ideal para escuchar por la noche. A esto se le agrega Look for Me, donde Neko canta con aire de mujer fatal, acentuado por un órgano de sonido retro.

Y llegamos a I whis I was the moon, donde se marca uno de los momentos más preciosos del disco; pura nostalgia y lejanía.

Pero el toque de dramatismo, y broche de oro, se encuentra en Runnin' Out The Fools, un excelente cover de un tema original de Aretha Franklin, y en donde la interpretación vocal de Neko es simplemente increíble (poner atención a los 2 minutos, justo cuando comienza a cantar "even fools like me").
El dato curioso se encuentra al final del álbum; una radio mal sintonizada que capta entre otras cosas, emisiones en español y música mexicana. Algo que considero un detalle especial.

Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim (1967)

Esto si que es una exquisitez para los oídos. Ya desde el primer tema dan ganas de dejar todo votado y tirarse en un cómodo sofá y relajarse. Este disco constituye el acercamiento de Frank Sinatra al Bossa Nova, que por ese entonces, se encontraba muy en boga junto a su fusión con el jazz. Esto se vio concretado gracias a la colaboración del gran maestro del género, Antonio Carlos Jobin. Jobin participa tocando guitarra y aportando su voz en dos temas. Hay que considerar además que 7 de los 10 temas son de su autoría, entre ellas The Girl From Ipanema. Los otros tres corresponden a clásicos del jazz norteamericano, interpretados en versión Bossa.

A este extraordinario dúo hay que sumarle además, la participación de Claus Orgeman quien se encargó de los arreglos y la dirección, dándole la atmosfera delicada y volátil que invitan al relajamiento; solo hay que escuchar How Insensitive (Insensatez), para ser atrapado en este mundo de ensueño.

Y Sinatra? Obviamente él está presente en todo el disco, dándole otra connotación a los temas de Jobim con su voz de terciopelo. Un disco para disfrutar plena y pausadamente, como si el tiempo se detuviera. Porque ese es en realidad el poder encerrado aquí.

Monster (1994)

Chico Migraña, Chico Migraña!!! Alguien se acuerda del Chico Migraña del Mtv? Un monito dibujado a lápiz y que le salían rayos cuando le daba migraña. Yo me acuerdo porque cuando empezaba sonaba la guitarra del tema Crush With Eyeliner de REM. Es cierto Monster no resulta ser el mejor disco de REM si entramos a compararlo con los dos anteriores a este (Out of Time y Automatic for the People), pero no por ello se puede decir que sea malo. De hecho en él hay muy buenas sorpresas y grandes temas. Atrás quedaron los sonidos acústicos junto con las mandolinas para llegar a este período más eléctrico.

Monster, publicado en 1994, está dedicado a dos amigos de Michael Stipe, quienes habían fallecido no hace mucho. Uno es River Fénix, a quien está dedicado casi por completo, y el otro es Kurt Cobain.

Por esa fecha hay que acordarse de que el grunge estaba en pleno auge junto con todo lo alternativo. De ahí que Monster tenga un sonido más eléctrico, sucio y experimental. Pero en cierta manera fue un retorno a las raíces, recordemos que REM fue una de las primeras bandas alternativas en 80's. El disco fue grabado en directo y en el proceso de postproducción solo se le agregaron efectos de sonido de guitarras y voces (algunas fueron grabadas vía telefónica). Lo más característico son las guitarras saturadas y en algunas ocasiones con un efecto de acordeón. Ahí están en What's the Frequency, Kenneth? que abre el disco y da la pauta de lo que viene; Crush With Eyeliner cuenta con la participación de Thurston Moore (Sonic Youth). En King of Comedy la voz de Stipe se escucha muy extraña. Y ya casi para el final del álbum se encuentra Let Me In, un tema precioso que se apoya sobre una base de guitarra distorsionada y ruidosa, pero que luego, cuando aparece el órgano, se transforma en otra cosa.

Hay algunos otros temas un poco mas débiles que hacen de Monster un trabajo menor, pero si a lo comentado le sumamos Bang and Blame, entonces vale la pena darle una escucha.

Magical Mystery Tour (1967)

En Junio el Sgt. Pepper cumplió 40 años desde su edición en el 67. El mes que ya pasó fue el turno para el Magical Mystery Tour de estar de aniversario. The Magical… es algo así como el hermano menor del Sgt Pepper, pues es igual de corte sicodélico y experimental. Se trata de temas compuestos para un programa de TV y de singles que fueron reunidos aquí. Por lo mismo puede ser que este sea el motivo por el cual sea tan poco conocido en comparación con el resto de la discografía de los Beatles a pesar de que contiene temas sumamente importantes. Y es que no deja ser menor que aquí estén Strawberry Fields Forever, Hello Goodbye, All you Nees is Love, Penny Lane y I am The Walrus, todas obras cúspides y muestra de la complejidad y experimentación sicodélica que alcanzó la música de los Beatles en ese momento. Solo vasta con apreciar la instrumentación de Strawberry Fields Forever, con guitarras soñolientas, secciones de cuerdas que le dan un aspecto mas pesado, piano, y trompetas, y su melodía, mezcla de rápida y lenta a la vez.

Otra canción que compite en complejidad con Strawberry… es I am The Walrus. Desde la orquestación cambiante, pasando por el cambio de ritmo y de sonido que ocurren a mitad del tema (esta parte es genial), hasta el menjunje sonoro del final, es todo un logro para la época. Y si de influencia hablamos, la melodía es absolutamente "brit pop" (y con razón una vez se las oí versionarla a Oasis).

All you need is love tiene por su parte un melodía de himno. Bueno por algo empieza con un fragmento de La Marseillaise. También se encuentran al final de la canción, fragmentos de She loves You e In the Mood de Glenn Miler, todos perfectamente amalgamados con la orquestación misma del tema. Simplemente un tema hermoso.

¿Qué más hay aparte de estos tremendos temas? Está Blue Jay Way de Geroge Harrison, una canción sumamente distorsionada, la instrumenta Flyging, Baby You're a Rich Man que igual fue un single, y la también grandiosa The Fool of The Hill.

Así como ven, es casi tan impresionante como su antecesor.

Hunky Dory (1971)

Cuando mi vieja vio la carátula del Hunky Dory, no podía creer que el de la foto era Bowie. Claro, ella lo vino a conocer en los 80's, cuando estaba en pleno periodo pop, totalmente opuesto a lo que fue su carrera en los 70's, y sobre todo a su período Glam. (en la carátula, Bowie tiene aspecto de una diva en decadencia). Por cierto, por esos días él mismo había afirmado (falsamente) ser gay.

Hunky Dory es como una isla dentro de este período. No tiene nada que ver con el disco anterior (The Man Who Sold The World, que es casi heavy metal) y muy poco con el que vendría (Ziggy Stardust…) En esencia, es folk, predominan el piano y las guitarras acústicas, todo esto enmarcado en melodías familiares que dan la impresión de haberlas escuchado desde siempre (y no lo digo porque el disco sea de 71, no tiene nada que ver). Es la esencia pop que posee. Y a pesar de ser folk, es un álbum muy diverso.

Lo más notable son los arreglos de piano que predominan casi en el albúm completo. Donde más se destaca son en temas como Changes, todo un clásico con algunos tintes soul; Oh! You Pretty Things, una canción con un coro sumamente exquisito. Eight Line Poem, que junto a la guitarra, arrastran melancolía y Fill Your Herat y Kooks, ambos temas del tipo Dance Hall. De ahí la diversidad de la que hablaba.

La parte más rockera viene con la balada orquestada Quicksad y la, un poco más frenética, Queen Bitch. Ambas son lo más parecido a lo encontrado en Ziggy Stardust.

Pero las verdaderas joyas de este álbum son lejos Life On Mars y The Brawley Brothers. La primera, es un tema de una belleza estremecedora, acentuado con una orquestación soberbia. Y el piano… desbordante en la segunda estrofa. Un tema perfecto por donde se lo "mire".

La otra es The Brawley, el tema que cierra el disco. Casi netamente acústico, su tranquilidad se ve interrumpida en los coros, enrarecidos con una melodía que pareciera viniera de muy lejos, como de otra dimensión. Y final mismo, tan extraño, deja una sensación inquietante, que solo puede ser el resultado (y la confirmación) de haber escuchado un disco simplemente genial.

Sea Change (2002)

Hace unos dias se me ocurrió hacer una selección y escuchar el mejor disco de cada año, desde el 55 al 2006 (nada que hacer)... el resultado, pasé horas y horas, y días escuchando musica... mirando el techo. En eso estaba cuando llegó el turno del 2002 y el elegido fue el Sea Change de Beck, y ahí me quedé pegado un tiempo. Es lejos su mejor album. Producto del quiebre en su relación con su pareja de entonces, es un disco lleno de melancolía y sinseridad, y que por cierto, lo hacen muy accesible (tomando en cuenta que el disco anterios, Midnite Vultures fue una verdadera locura excéntrica, además las letras se entienden). Aquí aparece toda la veta folck de Beck, por lo que predomina la guitarra acústica, todo muy bien acompañado por la producción impecable de Nigel Goldrich (Ok Computer de Radiohead), quien aporta sonidos y atmósferas, y la participacion de David Campbell (el padre de Beck) en los arreglos de cuerdas. Estas últimas le dan un cierto aire tipo Five Leaves Left de Nick Drake... bueno, aparte de toda la melancolía que hay dentro de los 52 minutos que dura. Porque Sea Change es un disco triste. Muy triste, pero que no alcanza a rayar en lo depresivo (aunque Round the Bend es lo más ondo, a lo que cae, y a lo que nos puede arrastrar). De hecho, el final del disco, deja una sensación... no sé si de esperanza, pero sí algo de paz, algo de alivio.

Mis favoritas... Paper Tiger, toda su musicalidad es exelente, sobre todo los arreglos de cuerdas. Todo tiene su tiempo,la guitarra, el bajo, la orquestación. Creo que es la mejor de todas.

Lonesome Tears, es la más triste, un tema para sentirse miserable. Aquí la orquestación le da un dramatismo tremendo.

Lost Cause, con la guitarra acústica marca la parte agridulce del disco. Un tema que es más animoso pero que de todas formas, suena melancolico. Es para ponerle atención ya que tiene una atmosfera enrarecida, llena de sonidos extraños, pero que de ninguna gorma molestan, sino que al contrario, la hacen más especial.

La apasibilidad de Already Dead me gusta mucho igual. Tiene algo relajante, como para dejarse llevar. ¡Será la siplicidad de la guitarra? No sé, pero simpre termino cantándola.

Algo de optimismo viene con Sunday Sun, tanto por la letra y la melodía. Es la única canción que tiene algo del antiguo Beck con lo estrepitoso del final.

En resumen, como dije, no es un album depresivo, sino triste pero calido, acogedor, y sobretodo, sumamente humano

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

Hablando de discos que cumplen años en éste, aquí ahí uno que cumple nada menos que 40. Toda una joyita. Es el Sgt. Pepper's Loney Hearts Club Band de los Beatles, uno de los discos más imaginativos de la historia.

Sgt Pepper's… significó un giro musical para los Beatles (aunque ya habían indicios en el disco anterior, Revolver, de lo que vendría). La idea original del disco era presentarlo no como un disco de los Beatles, sino que fuera un disco tocado por muchas bandas y presentado por la Banda del Sargento Pimienta. Es por ello que es considerado el primer disco Conceptual de la historia. De ahí radica su importancia. Fue igual el primer disco en donde la portada se diseñó por y para el concepto. El primero en traer las letras de las canciones impresas y, en las primeras ediciones, el primero en traer elementos recortables. También fue el primer disco en donde las canciones están presentadas una tras otra, sin pausas.

Y sí, suena muy diferente a lo que venían haciendo antes. Hay mucha sicodelia, partiendo por la letra surrealista de Lucy in the Sky With Diamonds, pasando por Being for Benefit Of Mr. K!, llena de sonidos de circo y campanas, y terminando con el torbellino sonoro del gran final del disco, A Day in the Life.

Sgt. Pepper's… y su versión Reprise son los temas más rockeros. En el otro lado están She is Leaving Home y When I´m Sixty-Four, el primero un tema lleno de arreglos de cuerdas, y el Segundo una pieza de Fox Trot.

Mis temas favoritos, a parte de A Day in the Life, son la extrañísima Fixing a Hole, y Withing or Without You, este ultimo de George Harrison (mi beatle favorito), un tema indú precioso, que le da toda la mística al álbum.

Este es un disco imprescindible, que de todas maneras tiene que estar en cualquier colección de música. Un clásico de clásicos.

Homogenic (1997)

Estoy sumamente arrepentido. Encontré en Viña el Homogenic de Björk en vinilo y no lo compré. Ahora me lamento. Después de darle varias vueltas al asunto, no lo hice, una porque cuando Iván le vio el precio, me puso una cara que ni cuento. Y finalmente pensé que tal vez traerlo en el avión sería un cacho y capaz que hasta se me rompiera. Este disco (el CD que tengo) está a punto de cumplir 10 años en mis manos (como pasa el tiempo) y debo decir que, a mi juicio, es el mejor disco de Björk.

Es su tercer disco y fue producido por ella misma, Howie B, Guy Sigsworth y Mark Bell. Este disco marca una etapa en la discografía de Björk que se ve presente luego en el resto de sus trabajos. A diferencia sus dos trabajo anteriores, éste es un disco conceptual (Islandia), y sobre todo, homogéneo en cuanto al sonido. Tres elementos se hacen presentes en toso el álbum como un concepto igual; la presencia de un octeto de cuerdas, electrónica con sonidos "terrestres", y la voz de Bjork, que en ocaciones, como en el tema Immature, arma la canción. Donde se demuestra mejor esto es en los temas Joga y Bachelorette, donde las melodías se mezclan con sonidos que dan la impresión de ser el producto del choque de las placas tectónicas.

Ojo también con la producción en si. Es de lo más esquisto escucharlo con audífonos. Lo que se escucha de un auricular es diferente del otro. Para los dos temas que mencioné, el efecto es espectacular. También destaco el tema All is full of love, que cierra el álbum. Está compuesto por unas pulsaciones (se parece al ruido que hace mi refrigerador) junto con un sonido mas agudo y que envuelve todo el ambiente.

Finalmente, me queda destacar la carátula. Lejos, una de las mejores que he visto. Rarísima. El fondo es como tornasolado y Björk se ve como venida de otro planeta, en una mezcla de elementos de diferentes culturas.

Black Holes And Revelations (2006)

Este fue a mi juicio el mejor disco del año pasado. Esto a propósito de la entrega de los grammys. De partida no los conocía, así que fue una de las grandes sorpresas que tuve el año pasado. Un disco en cuestión es sumamente diverso en cuanto a estilos. Con toques de electronica, metal, glam. Es más, hay unos temas que tiene un
toque español. Abre con una espectacular introducción,Take a Bow. Es algo así como un resumen de lo que trae el disco. Comienza onda electronico pero en la mitad cambia completamente y se vuelve en algo mas pesado. Ah destaco la voz de Matthew Bellamy (vocalista) que es simplemente increible.
Algo así como la de Thom Yorke pero aun más potente. Starlight es otro tema destacable, de hecho es uno de los singles. Es un tema onda Coldplay en lo melodioso, pero igual con más potencia. El otro single (que después me di cuenta sin saber que eran ellos) es Supermassive Black Hole. Es algo Funkky, con un bajo muy marcado. Mi favorita es el tema que le sigue, Map The Problematiqué. Los coros tipo Queen me facinan, al igual que la parte casi final, donde se introducen unos platillos que le dan un toque discotequero.Las revoluciones se detienen un poco con la balada Soldier's Poem, y luego con Invinsible, otro temaso donde llegando al final se produce un verdadero climax con la voz de Matthew. La parte mas heavy del disco la trae Assasian, algo así como System of A Down.El otro tema que destaco es Hoodoo, que comienza a lo más flamenco. Es un tema lento pero que igual tiene un climax de lo mas dramatico, onda clasico.Y el tema que cierra el disco, Knights of Cydonia igual es
espectacular. Una mezcla de Iron Maiden (tiene un ritmo tipo caballesco) con Queen. Un broche de oro.